この記事は2023年4月6日版に掲載されました の 映画コメント レター、オリジナルの映画批評と執筆を特集した無料の週刊ニュースレター. レターへのサインアップはこちらから。
のパフォーマンス ビュー ΔV/ΔT (ジョナス・ベルス、2023年)。 アーティストの礼儀。
パンデミックが映画に行くことへの影響と最近の映画の死についての議論の中で、映画の窮状についてはほとんど言及されていません。 非営利 実験的なモード 映画 ビデオやアーティストの映画。 結局のところ、まさにその条件は、優れた資本家が気にするべきではないことを示唆しています.Netflixの取引を確保しようとさえしていないメーカーの映画の運命に、なぜ手を差し伸べるのですか? しかし実際には、アーティストの映画は復活の兆しを見せています。 近年、e-flux のビデオ プラットフォームや Prismatic Ground など、多くの新しいオンライン イニシアチブが見られます。 映画 ニッチなミーム アカウントへのフェスティバルの参加は、かつて一般大衆がほとんどアクセスできなかったオブジェクトへのアクセスを提供します。 その一方で、デジタル化やインターネット展示との互換性に抵抗する映画体験への渇望が高まっています。 映画 美術館やマイクロシネマでの上映は定期的に売り切れます。
小さな地域の実験的 映画 フェスティバル—オルタナティブの古典的なサイト 映画 世紀半ばの前衛時代以来の展覧会、特にパンデミックからより強く現れたようです。 先月の春の週末に、この旅好きのアメリカ人映画ファンは、国内のさまざまな場所で同時に行われる 3 つのショーケースの中から選ぶ贅沢をしました。 映画 シカゴのフェスティバル。 サンフランシスコのライトフィールド。 そして宇宙線 映画 ノースカロライナ州チャペルヒルで開催されるフェスティバル。 これらの最後の作品は、2018 年にローンチされた、アーティスト兼映画製作者の Sabine Gruffat と Bill Brown によってキュレーションされた比較的新しい作品です。 Realheads は、このフェスティバルの名前が 1962 年のブルース コナーにちなんで付けられていることに注目するでしょう。 映画 宇宙線—レイ・チャールズへのリゼルジックな賛歌であり、コナーのエネルギッシュなモンタージュの典型的な例です。 しかし、映画製作者、キュレーター、映画愛好家、批評家の地域ネットワークと国際ネットワークの両方を育成する大学中心のフェスティバルとして、Cosmic Rays は、その名前で、飛行機を橋渡しする宇宙からの大気の乱れのように、より明白な科学的協会を示しています。乱暴に発散するスケールの。 その範囲は、星間および地上、グローバルおよびローカルです。
オープニングの夜、Cosmic Rays は、Cat’s Cradle というコンサート会場で上演された 3 つのライブ プロジェクション パフォーマンスのセレクションを提供しました。 儚く、抽象的で、しばしば非常に騒々しいこれらのセットは、パフォーマーがリアルタイムでハッキングして操作した幅広いアナログおよびデジタル技術の内部を垣間見ることができました。 西川友成さん 6つの72の変奏曲 (アーティストがニューヨークの Currents セクションで行った以前のイテレーション 映画 Festival in 2021) は 3 つの中で最もミニマリストで、透明な 16 mm のリーダーのループの投影で構成され、西川はスクラッチの着実な蓄積を追加しました。 パフォーマンスが展開され、アーティストのギザギザの彫刻がフレームいっぱいになると、プロジェクターの光学サウンド センサーがそれらをぎこちないものとして認識しました。 カチャンク脈動するオフリズムに徐々に合体します。 もう 1 つの技術的極端は、Jon Satrom の目まぐるしく、しばしば愉快な画面共有パフォーマンスでした。 準備されたデスクトップで、アーティストはシンプルなスクリプトを実行して、使い慣れた機能、警告音、テキスト読み上げ音声など、Mac OS インターフェースの基本を微妙に、そして非常に最大主義的な方法で活用しました。 アナログとデジタルの分断のあいまいな中間のどこかに、Jonas Bers の ΔV/ΔTオシロスコープ、2 台のビデオ ミキサー、およびマッドサイエンティストの一連のノブとワイヤーを使用して、加速度の公式にちなんで名付けられました。 Bers は、信号とノイズのスリリングな極性を探求しながら、波形を波状のモノクロの塊に彫刻して電子的な不協和音を生み出し、(制御された) 危険の感覚を呼び起こしました。
フェスティバルの核心は 4 つの短編映画プログラムにありましたが、提出ガイドラインに従って、15 分を超えるものはありませんでした。 ライブ セットと同様に、これらの作品の多くは、制作者がさまざまなメディア テクノロジーと、人間や動物の身体、都市空間や自然空間、歴史や政治など、主題を形成する方法を探求しているのを目にしました。 このアプローチは、スニール・サンズギリによる最近の映画の三部作に捧げられた、フェスティバルの唯一の単一アーティストのプログラムによって明確に証明されました。 まとめて吹き替え バロバー・ジャグタナ、このスイートは、ゴア、カシミール、ディアスポラでのインドの過去と現在の解放運動を調査し、それらの国境を越えた反響を追跡します。 Sanzgiri は、時間と空間を非線形に再構築する映画の能力を、さまざまな技術を駆使して活用しています。 映画 そしてデスクトップ インターフェイス、オーラル ヒストリーと詩、アニメーションとドローン映像。地理的および歴史的な方向性を揺るがし、新たな連帯を示します。
他の場所では、Nicolas Gebbe の (おそらくあまりにも明白なタイトル) ロックダウン ドリームスケープ フォトグラメトリを展開して、彼のアパートの写真を一見終わりのないデジタル迷路につなぎ合わせます。合成の長いテイクは、彼の家のにじみ出る建築物と、うっとりと変化する骨董品を通り抜けます。 同様に、ケリー・シアーズの フェーズ II 近未来のデンバーにおけるジェントリフィケーションと都市管理についての投機的なフィクションを関連付けるために、ナレーションのナレーションと一緒に街のスカイラインのコラージュ写真を使用しています。 シアーズの SF、ストリート写真、アニメーション技術の微妙な融合は、ディストピア的な不動産の世界構築を予期しており、拡がるコンドミニアムの建物と並んで悪意のある花のようにポールに拡声器が生えている街並みを構築し、果てしないという名目で地元の人々に音響戦争を制定しています。発達。
映画 編集はそれ自体、新しい空間、時間性、意識のモードを構築するための一種の技術です。 フェスティバルの名前に忠実に、そこで上映されたいくつかの映画は、コナーの系譜にあるファウンドフッテージの美学を採用していましたが、彼の後期の作品の幻想的で解離的な集合体に重点を置いていました。 5:10 に乗ってドリームランドへ (1976) と ワルセトリステ （1977）。 これらの中で最高のものの中で、Alina Taalman’s あらかじめ用意された信号 植物や波打つ海の 16 ミリの映像から、古い映画の孤独な女性や郊外の家のシーンまでを切り取って、イメージとサウンドの豊富なカタログを織り交ぜます。 不吉な電子ノイズと無音の自然のフィールド録音のサウンドトラックの中で、「信号が何であるか知っていますか?」という声が尋ねます。 タールマンズ 映画 メディアのセンセーションの渦巻く海の中で意味を見つけるという、不安でスリリングな作業を交互に行う、解釈の行為自体を上演します。 あらかじめ用意された信号フェスティバルの最後のプログラムを開いた .
レオ・ゴールドスミス ユージーン・ラング・カレッジ・オブ・リベラルアーツ、ニュースクールの文化とメディアの客員助教授であり、ニューヨーク大学のプログラミングアドバイザーでもあります。 映画 まつり。