この記事は2023年6月29日版に掲載されました の 映画コメント Letter、オリジナルの映画批評や執筆を特集する無料の週刊ニュースレター。 こちらからレターにご登録ください。
夏の日のジャズ （バート・スターン、1959年）
マレー・ラーナーの 祭り (1967)、 映画 1963 年から 1966 年にかけて毎年開催されたニューポート フォーク フェスティバルを記録したこの作品は、ビートニク ミュージシャンのグループが木の下に座っているところから始まります。 ジム・クウェスキン・ジャグ・バンドが演奏を始めるが、演奏の途中で突然カメラが暗転する。 メンバーの一人がナレーションで、バンドは音楽制作に興味があり、映画製作者たちは映画制作に興味があると述べた。 バンドのハーモニカ奏者、メル・ライマンが対位法を提案します。 「私たちは皆、機械で遊んでいます」と彼は言います。 カメラを指差しながら、彼はこう続けた。「そこにある小さな機械に本当に息を吹きかけると、あなたも音楽を再生していることになるのです。」
祭り アカデミー博物館の最新シリーズの一環として、数週間前にロサンゼルスで上映されました。 サマー オブ ミュージック: コンサート映画 1959–2020ラーナーのドキュメントで示唆された両方の可能性を受け入れ、対峙し、疑問を投げかける一連の映画を紹介します: コンサート 映画 独自の目的を持った、音楽とは別のアートワークとして。 そしてコンサート 映画 音楽のパフォーマンスと連動して視聴覚の共生を実現できる、共感的で表現力豊かなモードとして機能します。
シリーズのタイトルは純粋なノンフィクションから詩的で劇的な (または幻想的な) 作品まで多岐にわたり、その両方の要素を組み合わせた最高のセレクションもいくつかあります。 バート・スターンの 夏の日のジャズ （1959）は、部分的にはドキュメンタリーであり、部分的にはサウンドトラックで聞こえるホーンや声と同じくらい形式的に繊細で機敏であることを目指す「ビジュアルミュージック」の洗練された実践です。 の 映画1958年のニューポート・ジャズ・フェスティバルを題材にした『』は、シリーズの中で最も古いタイトルである。 アカデミー博物館の暫定館長 映画 プログラム KJ Relth-Miller 氏は、これは「究極のジャズ コンサート」を表していると語った。 映画」そして「私たちはこれを、そのスタイルのライブパフォーマンスドキュメンタリーの最初の例の1つであると考えています。」 セオロニアス・モンク、チャック・ベリー、ダイナ・ワシントン、マヘリア・ジャクソン、アニタ・オデイ、ルイ・アームストロングなどのレジェンドたちが、ジャズのモダニズムを反映した抽象的なシーン（水のイメージは音楽の予測不可能性と即興性を表している）やコミックが散りばめられた、息を呑むようなパフォーマンスを披露します。ビネット（ビールパーティーとジャズヘプスターのバンドがジャロピーでニューポートをクルーズ）。
ラーナーさんみたいに 祭り、DA ペネベイカーズ モントレーポップ (1968) は、アメリカのカウンターカルチャーが主流に浮上することに焦点を当て、時代精神の感覚をより明確に捉えようとしています。 アーティストやコンサート来場者へのインタビューは、私たちがこれらの映画で見ているもののより広範な社会的意義を明確にするのに役立ちます。 の 祭りでは、ブルースの本質についての比類のないサン・ハウスの言葉が、ギタリストのマイク・ブルームフィールド（若くて白人）の視点と交差し、音楽に談話的な枠組みを提供しています。 フェスティバルの存在意義を明確に表現する別の場面では、セイクリッド・ハープ・シンガーズのメンバーが、彼らは「平均的な男女が生み出すことができるという考えを信じている」と説明している。 [their] 自分の音楽。 この機械の時代では、すべてをスピーカーから出す必要はありません。 自分で作れますよ。」
これらの映画では文体的な装飾は後回しにされています。 その代わりに、それらは概して、20世紀の最も優れた最も特異なパフォーマーの前にいるという爽快な経験を忠実に捉えています。ピーター、ポール、メアリーはより良い世界を熱心に嘆願します。 ジミ・ヘンドリックスはギターに火をつける前にフィードバックを使って絵を描きます。 ラヴィ・シャンカールは催眠術をかける。 ヒュー・マセケラはまばゆいばかりに元気を与えます。 ジャニス・ジョプリンは心を痛める。 そしてハウリン・ウルフは生々しいボーカルパワーとステージでの圧倒的な存在感で観客の奥深くまで届きます。 「私たちは夏の間、デヴィッド・ゲフィンの映画スペースをロックコンサートスペースに変えるつもりです」とレルスミラー氏は語った。 しかし、オーティス・レディングのステージ上での「I’ve Been Loving You Too Long」の演奏のように、映画の形式とライブパフォーマンスが融合して何か新しいものを生み出す瞬間もあります。 モントレーポップ: ステージライトが彼の頭のシルエットを描きながら、歌手を後ろから撃ちながら、ペネベイカーはレディングの声をある種の超越的な抽象化へと昇華させます。
映画の多くはアーティストのドキュメンタリーとしても機能し、音楽制作のプロセスやパフォーマーのビジョンについての洞察を提供します。 ピーター・クリフトンとジョー・マソットの作品では 歌は変わらない (1976)、レッド・ツェッペリンはバンドが絶頂期にあった1973年にマディソン・スクエア・ガーデンで演奏します。 コンサートの映像の前に約15分間の物語の導入部があり、4人のバンドメンバーが差し迫った婚約について知らせる電報を受け取る様子が描かれている。 パフォーマンス自体には、バンドのメンバーそれぞれの性格を詳述する挿絵が散りばめられている。ジョン・ボーナムは命知らずとして描かれている一方、ジミー・ペイジ（オカルトの有名なファン）は魔法使いに会うために山に登っている様子が描かれている。 シリーズの最新作の 1 つ、ニムロッド・アンタルの メタリカ・スルー・ザ・ネヴァー (2013) では、この舞台裏を覗くというコンセプトを極限まで高め、コンサートを中心としたビデオ ゲームのようなシナリオ全体をデザインしました。 デイン・デハーン演じる若者が、狂った街で立ち往生した車両を回収する任務に就いているシーンには、コンサートの様子が散りばめられており、演出された事件でセットの大部分が崩壊する。ライトが消える原因となります。 バンドはよりシンプルなセットアップで前進し、表向きはパンキッシュなスラッシュメタルの「ルーツ」に戻り、自分たちがどれだけ遠くまで到達したかを思い出させます。
このシリーズの最高の映画は、音楽がより広範な歴史的または政治的な転換点を理解する手段となる作品です。 ジェフリー・レヴィ＝ヒンテの 魂の力 （2008年）モハメド・アリとジョージ・フォアマンのボクシング試合「ランブル・イン・ザ・ジャングル」の前に予定されていたキンシャサでの3日間のコンサート「ザイール74」を記録している（そしてフォアマンの辞任により試合は5週間延期されたにも関わらず開催された）トレーニング中の怪我）。 このドキュメンタリーは、フェスティバルに参加したアフリカ系アメリカ人アーティストたちにとって、このフェスティバルが象徴していた精神的な帰郷の様子を鮮明に伝えている。ザイールまでの13時間の飛行機の旅は、キューバ系アメリカ人の歌手セリア・クルスを先頭に、パーティーとジャムセッションの間のような展開が繰り広げられる。お祭り。 キンシャサのステージでは、ジェームス・ブラウンやBB・キングのほか、ミリアム・マケバやマヌ・ディバンゴなどのアフリカ人アーティストによる汗だくの情熱的なパフォーマンスが、勝利と希望に満ちた団結のムードを反映して踊る観客を喜ばせている。
メル・スチュアートの ワットスタックス （1973年）もう一つの傑出した作品は、1965年のワッツ蜂起を記念する毎年恒例のワッツ・サマー・フェスティバルの一環としてスタックス・レコードが主催した慈善コンサートを記録したものである。コンサートでは7万ドル以上が集まり、鎌状赤血球貧血財団であるワッツの支援に使われた。夏祭りとワッツ労働者コミュニティ活動委員会。 ステイプル・シンガーズ、アルバート・キング、アイザック・ヘイズなどのアーティストによるパフォーマンスの映像が、リチャード・プライヤーのコメディーやワッツの住人へのインタビュー（事前のインタビューを含む）と織り込まれています。ラブボート テッド・ラングが初めてスクリーンに出演した作品のひとつ）。 男性グループが自分が黒人であると初めて気づいたときの話を共有する一方、男女間の関係について率直に議論する男性もいる。
の 1 つで、 映画最もスリリングな瞬間、「最もファンキーな男」として知られる R&B パフォーマーのルーファス・トーマスがステージに上がると、観衆がスタンドから下のサッカー場に降り始めます。 トーマスは「ドゥ・ザ・ファンキー・チキン」を始めるとき、立ち止まって指示を待つように彼らに言いました。 彼が「さあ、さあ入ってください！」と言うと、 「前に来てください」と言うと、群衆は大波のようにフィールドに押し寄せ、人々はとんでもないダンスを始めた。 彼らの喜びは伝染します。 これがコンサートです 映画 それは、映画の表現力、歴史性、物語性の可能性を同時に呼び起こした最高潮の瞬間です。
クリス・シールズ ロサンゼルス在住の映画製作者兼作家です。